ALBERTO VALENZUELA LLANOS

Continuamos destacando a relevantes artistas en Chile, hoy quiero recordar junto a ustedes a Ramón Alberto Valenzuela Llanos, nacido en San Fernando el 29 de agosto de 1869, fallecido en Santiago el 23 de julio de 1925. Destacado pintor y docente chileno.   Nacido en una familia modesta, trabajó de joven en una textilería local; un día dibujó lirios en unas telas y el dueño mostró el resultado al padre de Alberto, quien determinó que su hijo había nacido para ser artista, gestionando el que su hermano lo recibiera en Santiago para que pudiera asistir simultáneamente al Instituto Nacional y la Academia de Pintura.   Valenzuela Llanos desarrolló sus estudios de arte con especial atención en el paisajismo; en 1889 participó en el Salón Oficial de Santiago; en 1890 uno de sus cuadros fue presentado en el Salón de París, Francia, y en 1891 una de sus obras ganó medalla en una exposición en Estados Unidos, dicho año el Gobierno de Chile le otorgó una beca para estudiar en Paris a cambio de algunos años de enseñanza en Bellas Artes; su destacado desempeño le permitió renovar cuatro veces la beca, permaneciendo en Francia hasta 1906, período en el que además recorrió España, Inglaterra e Italia.   En 1916 retornó a Chile de manera definitiva, fue contratado para impartir clases de dibujo en el Liceo Miguel Luis Amunátegui y como profesor titular de Pintura en la Escuela de Bellas Artes; todo esto a la par del desarrollo de su propia obra, asociada a las corrientes impresionista y expresionista, estimada en más de mil cuadros con especial énfasis en el paisaje.   Con éxito nacional e internacional, Alberto Valenzuela Llanos se convirtió en uno de los artistas chilenos más premiados en el extranjero, siendo denominado, junto con Juan Francisco González, Pedro Lira y Alfredo Valenzuela Puelma, como uno de los cuatro grandes maestros de la pintura chilena.   #AlbertoValenzuelaLlanos #arte #cultura #educación #identidad #patrimonio #memoria #chile

ALBERTO ORREGO LUCO

Continuamos destacando a relevantes artistas en Chile, hoy quiero recordar junto a ustedes a Alberto Orrego Luco, nacido en Valparaíso el 20 de abril de 1854, fallecido en Santiago el 2 de junio de 1931; un destacado pintor y diplomático chileno.   Nacido en una familia de acomodados agricultores, tuvo estrecha vinculación con intelectuales y artistas; comenzó a estudiar pintura mientras aún estaba en el Instituto Nacional, obteniendo mención honrosa en la Exposición de Artes y Oficios de 1872.   En 1873, incentivado por su madre, viajó a Europa junto a su hermana Elena Orrego Luco y su cuñado, el pintor Pedro Lira. Inicialmente su viaje tenía un propósito académico, estudiar medicina en la Universidad de la Sorbonne, pero finalmente decidió dedicarse de lleno a la pintura. Estudió en el taller de Alexandre Cabanel, participó en los Salones de París de 1878 y 1880 y luego continuó sus estudios pictóricos en la Académie Julian.   En 1880, se mudó a Venecia, Italia, en donde se casó con la pintora italiana Carlina Rossi en 1883; se desempeñó como cónsul de Chile en Venecia en 1888, Sevilla en 1892, Génova en 1897 y Roma en 1916; todo esto en paralelo al desarrollo de su obra pictórica.   Recordado por ser un artista reflexivo y sereno en vinculación al romanticismo, Alberto Orrego Luco se especializó ampliamente en el paisaje rural y urbano, captando espacios naturales con gran énfasis en sus fenómenos atmosféricos, tanto en Europa como en Chile; hoy, sus obras son parte de importantes colecciones privadas y públicas, entre las que destacan el Museo Nacional de Bellas Artes, la pinacoteca de la Universidad de Concepción, la pinacoteca del Banco de Chile, el Ministerio de Relaciones Exteriores y el Palacio de La Moneda, siendo considerado uno de los artistas trascendentales en la historia de nuestro país.   #AlbertoOrregoLuco #pintura #arte #cultura #educación #identidad #patrimonio #memoria #chile

AÍDA POBLETE

Continuamos destacando a relevantes artistas en Chile, hoy quiero recordar junto a ustedes a Aída Poblete del Solar, nacida en Temuco el 16 de abril de 1914, fallecida en Santiago el 23 de septiembre de 2000. Una destacada pintora, grabadora y docente chilena. Entre 1938 y 1945 estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, más tarde tomó cursos de especialización con profesores argentinos; entre 1965 y 1985 realizó diversos viajes de estudio a Europa y Estados Unidos, recorriendo también Argentina, Uruguay, Brasil y México; en su amplia formación académica estudió además grabado con Eduardo Vilches en la Pontificia Universidad Católica de Chile. En el área docente se desempeñó como profesora adjunta en el Curso de Iniciación a la Pintura y Dibujo de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile y como profesora, adjunta primero y de cátedra más tarde, en el Curso de Arte Publicitario en la misma escuela, llegando a ser profesora titular de dibujo; fue además profesora de pintura y dibujo en las Escuelas de Temporada, organizadas por la Universidad de Chile en Santiago, Copiapó y La Serena. En 1976 dejó la docencia para dedicarse en forma preferencial al desarrollo de su obra artística. Asociada a la generación de 1940 y siendo parte del Grupo de los Cinco y el Grupo Rectángulo, desplegó su obra artística, inicialmente figurativa a través de paisajes y bodegones, derivando a la abstracción, con atención en formas geométricas y particular interés en el movimiento de conjuntos humanos; desarrolló sus trabajos, atmosféricos y orgánicos, principalmente a través de óleo sobre tela, dibujo y pastel. Hoy las obras de Aída Poblete son parte de destacadas colecciones privadas y públicas, entre las que destacan el Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo de Arte Contemporáneo MAC y la Pinacoteca de la Universidad de Concepción. #AídaPoblete #pintura #docencia #arte #cultura #educación #identidad #patrimonio #memoria #investigación #chile

AGUSTÍN ABARCA

Continuamos destacando a relevantes artistas en Chile, hoy quiero recordar junto a ustedes a Juan Agustín Abarca Abarca, nacido el 27 de diciembre de 1882 en Talca, fallecido el 28 de mayo de 1953 en Santiago. Un destacado pintor y docente chileno. Nacido en una familia campesina, estudió en el Liceo de Hombres y en el Instituto Comercial de Talca, en donde se tituló de contador, trabajando como empleado fiscal en dicha ciudad. Aproximadamente en 1900 conoció al artista Pablo Burchard, profesor de dibujo en uno de los liceos públicos de la zona, quien lo animó a estudiar pintura y trasladarse a Santiago. En 1904 ingresó a la Academia de Pintura de la Pontificia Universidad Católica de Chile y en 1909 a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Participó en Salones Oficiales en Santiago y más tarde representó a Chile en la Exposición Iberoamericana de Sevilla, España, en 1929, en la Exposición Internacional de Pintura del Instituto Carnegie en Pittsburgh, EEUU, en 1935 y en la Exposición de Arte Chileno en Buenos Aires, Argentina, en 1940. En el área educativa se desempeñó como profesor de la Cátedra de Pintura y Dibujo en la Escuela de Bellas Artes de Viña del Mar. Asociado a la Generación del 13, Agustín Abarca desarrolló su obra utilizando óleo, acuarela, pastel y carboncillo, elaborando especialmente paisajes, sido considerado como uno de los grandes exponentes de dicho género en Chile, al respecto expresó: “Vi realizadas mis aspiraciones y viví libre en el interior de los bosques dibujando y pintando robles, laureles, mañíos, lingues y otros árboles… todas las estaciones eran hermosas, el verano con sus campos amarillentos y aromáticos; el otoño, el invierno con sus inmensas lagunas y la primavera con sus campos cubiertos de flores. ¡Qué hermosas eran las quebradas con sus arroyos, sus rocas cubiertas de musgo!”. #AgustínAbarca #pintura #paisaje #arte #cultura #educación #identidad #patrimonio #memoria #chile

ADOLFO COUVE

Adolfo Couve Rioseco fue un destacado pintor y escritor chileno nacido en Valparaíso el 28 de marzo de 1940, fallecido en Cartagena el 11 de marzo de 1998. Sus inicios en la pintura los rememoraba de la siguiente forma: “A los quince años mi papá me pilló pintando un retrato con pasta de dientes y de zapatos; entonces me regaló una caja de óleos, con la condición de que la pintura sólo fuera mi hobby… o sea, esa caja me la regaló para que yo no fuera pintor”. Realizó sus primeros estudios en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, para luego ser becado en l’Ecole des Beaux Arts de París y en The Arts Student League en Nueva York.  Fue profesor titular de Historia del Arte, Teoría del Arte y Pintura de la Facultad de Arte de la Universidad de Chile, desde 1964 hasta 1998; además se desempeñó como profesor de Renacimiento y Barroco en la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile entre los años 1974 y 1981. Según su propia enunciación, describió su obra como “realismo nostálgico”; su pintura, intimista y fugaz, explora las posibilidades del retrato, los bodegones y el paisaje con pinceladas sueltas y un notable manejo de las luces y sombras; con gran habilidad tanto en la plástica como en las palabras, nos dejó profundas y personales reflexiones: «La exigencia de la literatura me ha hecho ser un dibujante, de la frase, de la imagen».

Galería de arte

La historia de las Galerías de Arte, espacios de encuentro con las artes y vitales dinamizadoras de la gestión cultural ligada, ha evolucionado ampliamente a lo largo de las épocas, desde los Gabinetes de Curiosidades, Cámaras Privadas para nobles y Palacios Aristocráticos entre los siglos XVI a XVII, pasando por los Salones Públicos del siglo XIX que democratizaron la acción expositiva, consolidándose como sitios comerciales privados que conectan a los artistas con el público. Es desde el siglo XX que las Galerías de Arte se convierten en epicentros de vanguardias y exploración creativa, desplegando un rol decisivo en la producción, difusión y venta de arte contemporáneo, promoviendo nuevos movimientos, miradas y técnicas renovadoras.  La Galería de Arte se profesionaliza, representa a artistas a largo plazo y edifica carreras nacionales e internacionales, promoviendo la puesta en valor de las obras, la consagración de los creadores y la incorporación de la investigación y curadoría, aportando en la consolidación de la escena de las artes. Con la llegada del Siglo XXI, entran en juego nuevos conceptos como Globalización y Era Digital, las nuevas tecnologías amplían vastamente el alcance de las comunicaciones a través de plataformas online, sirviendo de puente entre la creación y el mercado.  Es en este contexto que la Galería de Arte adquiere un rol fundamental en la experiencia física de encuentro con las artes; si bien, las plataformas digitales y redes sociales virtuales sirven de gran apoyo en difusión, aquello confiere un rol fundamental en la visita física a un espacio que exhibe, investiga, promueve, cuida y comercializa obras de arte. Las Galerías de Arte actuales son mediadoras culturales esenciales en la conexión de los creadores con el público, fomentando la educación y gusto estético en los espectadores, sirviendo de puente legitimizador y siendo un punto de encuentro para descubrir obras, artistas y perspectivas creativas, propiciando el aprendizaje visual y la reflexión crítica, enriqueciendo la vida cultural y social de la comunidad.

Impresión digital Fine Art: la evolución de la reproducción artística

Impresión digital Fine Art: la evolución de la reproducción artística A lo largo de la historia, los artistas han buscado reproducir sus obras de manera fiel a partir de una matriz original. De esta necesidad nacieron las técnicas clásicas de producción gráfica como la xilografía, litografía, huecograbado y serigrafía, que durante siglos fueron el estándar para la reproducción de obra gráfica original. Con el avance de la tecnología, la reproducción artística dio un salto decisivo. Hoy, la impresión digital Fine Art, también conocida como impresión Giclée, representa el método más preciso y estable para reproducir obras de arte y fotografía con calidad museográfica. ¿Qué es la impresión Fine Art o Giclée? La impresión Fine Art es un sistema de inyección de tinta de alta gama, desarrollado específicamente para la reproducción artística profesional. Utiliza impresoras de 10 a 12 colores, capaces de lograr transiciones tonales suaves, negros profundos y una fidelidad cromática excepcional. Este sistema se basa en tres pilares fundamentales: 1. Tintas pigmentadas de grado artístico Las tintas utilizadas son pigmentadas y mineralizadas, no tintas dye – La tinta dye es una tinta a base de agua, donde el colorante está completamente disuelto, produciendo colores muy vibrantes, saturados y de secado rápido, ideal para fotos y gráficos de uso general en casa y oficina, pero es vulnerable al agua y a la decoloración por la luz a lo largo del tiempo, a diferencia de las tintas pigmentadas- Esto garantiza: 2. Papeles Fine Art libres de ácido Se emplean papeles 100% algodón o alfa-celulosa, libres de ácido y lignina, diseñados para conservación a largo plazo. Estos soportes cumplen con normas internacionales de archivo utilizadas por museos, galerías y colecciones privadas. 3. Espacio de color ampliado A diferencia de la impresión tradicional en CMYK, la impresión Fine Art trabaja con un gamut de color extendido, cercano al espacio RGB, lo que permite reproducir: El resultado es una imagen estable, profunda y visualmente superior a la impresión comercial convencional. ¿Para qué se utiliza la impresión Giclée? La impresión Fine Art se utiliza en: Gracias a su precisión, consistencia y calidad de archivo, el Giclée se ha convertido en el estándar de reproducción preferido por artistas, fotógrafos, diseñadores, galerías y museos en todo el mundo. Impresión Fine Art en Salustiano Casanova En Salustiano Casanova, la impresión digital Fine Art se realiza bajo criterios técnicos profesionales, utilizando materiales certificados y flujos de trabajo orientados a la fidelidad cromática y la conservación de la obra. Cada impresión está pensada como una extensión del original, respetando su intención estética, color y materialidad, con resultados a la altura de espacios expositivos y colecciones exigentes. Teniendo en cuenta de forma primordial que la calidad del archivo marca la diferencia.

La historia del marco: cómo nace y evoluciona uno de los oficios más antiguos del arte

Les damos la bienvenida a nuestro blog, en donde podrán encontrar historia, tendencias y diversos artículos relacionados con el Arte y la Enmarción. La historia del marco: cómo nace y evoluciona uno de los oficios más antiguos del arte Un recorrido por la evolución del marco desde las primeras civilizaciones hasta el diseño contemporáneo. En Salustiano Casanova Galería y Marcos te explicaos cómo este bello oficio se transformó en una pieza clave para la preservación y valorización del arte. Un oficio con siglos de tradición En nuestra galería-taller entendemos el enmarcado como un arte que ha acompañado la creación visual desde tiempos remotos. A lo largo de la historia, los marcos pasaron de ser simples delimitadores a convertirse en piezas fundamentales que protegen, destacan y dan contexto a cada obra. Los primeros indicios: antiguas civilizaciones Egipto, Grecia y Roma emplearon bordes decorativos para estructurar escenas en frescos y mosaicos. No eran marcos como los conocemos hoy, pero sí representaban el primer intento de separar y realzar una imagen dentro de un espacio arquitectónico. Edad Media: el marco como extensión de la obra Durante los siglos XII y XIII, la mayoría de las pinturas se realizaba sobre tablas de madera. Los bordes de estas mismas tablas se tallaban o pintaban siguiendo las directrices estéticas de cada iglesia. En ese momento, marco y pintura eran un único cuerpo visual y espiritual.La necesidad de reforzar las tablas para evitar que se deformaran llevó a incorporar estructuras de madera que funcionan como antecedentes del marco actual. Renacimiento: la independencia del marco El quiebre significativo se produjo entre los siglos XV y XVI. La irrupción de la pintura de caballete y el auge de encargos privados impulsaron la aparición del marco como pieza creada por artesanos especializados. Los marcos personalizados comienzan a ver la luz.A partir de entonces, el marco se concibe como un complemento autónomo: diseñado para dialogar con la obra, no para formar parte de su superficie pictórica. Muchos de estos marcos se inspiraban en la arquitectura clásica, lo que elevó el nivel estético del oficio. Barroco y Rococó: exuberancia y protagonismo Entre los siglos XVII y XVIII, los marcos alcanzaron su punto máximo de ornamentación. Dorados intensos, tallas profundas, volutas, flores, hojas y composiciones asimétricas los transformaron en objetos de lujo.En palacios y templos, el marco no sólo acompañaba: imponía presencia y reforzaba la suntuosidad del entorno y la obra de arte. Siglo XIX: industrialización y acceso masivo Con la Revolución Industrial surgieron molduras para cuadros seriadas que abarataron el proceso y facilitaron su difusión. Aunque la artesanía continuó, la producción en serie cambió el perfil del mercado y amplió la oferta disponible. Esto democratizó el acceso al enmarcado, aunque redujo, en algunos casos, la riqueza de los diseños tradicionales. Siglo XX y presente: precisión, sutileza y nuevos materiales Los movimientos modernos favorecieron marcos para cuadros más simples y discretos. La aparición de materiales industriales —aluminio, maderas procesadas y sistemas de montaje más precisos— abrió posibilidades técnicas inéditas.Hoy conviven tendencias minimalistas, reproducciones históricas y propuestas contemporáneas. Cada obra exige su propio tipo de enmarcado, y la decisión se basa en criterios estéticos, de conservación y de coherencia visual. El valor del marco hoy En Salustiano Casanova Galería y Marcos nos guiamos por el respeto a la tradición y la excelencia técnica. Enmarcar es interpretar una obra, comprender su carácter y elegir un diseño que potencie lo que la pieza quiere comunicar.Un buen marco no sólo protege: realza, acompaña y transforma la experiencia de observar una obra. Las enmarcaciones hoy en día generan cuidado, respeto y puesta en valor del arte.